Tidligere på året, mens jeg surfede gennem en liste over fotografer på Google Plus, stødte jeg på et fotografi, der fangede min opmærksomhed. En ung pige med rosenrøde kinder, store store øjne og et seriøst blik på ansigtet stod mod en grøn tapetvæg klædt i en lys rød jakke, mens hun holdt en skål kirsebær.
Billedet var slående på mange niveauer - motivet, farven, posituren, stilen på billedet og hvad det fremkaldte på et følelsesmæssigt niveau fik mig til at se to gange.
Fotografen var Bill Gekas, og et hurtigt kig gennem resten af hans arbejde afslørede nogle smukke billeder med en tydelig stil og opmærksomhed på detaljer.
I dag er jeg begejstret for at præsentere et interview med Bill Gekas samt nogle af hans smukke billeder. Bill bor i Melbourne Australien. Se mere af hans arbejde på hans hjemmeside og blog. Opret forbindelse til ham på Twitter og Google+.
Bill - kan du fortælle os lidt om din skift fra film til digital fotografering? Hvornår og hvorfor lavede du kontakten?
Min overgang fra film til digital skete i 2005. Indtil da optog jeg primært både positiv og negativ 35 mm farve og lavede min egen udviklings- og mørkerumstryk fra 35 mm negativ sort / hvid-film. Så godt som hvad traditionelle processer kan have været på det tidspunkt, at skiftet til digital capture og efterbehandling lige åbnede en helt ny verden, der virkelig forenklede processen i høj grad.
Hvilken indvirkning havde denne switch på dit arbejde?
Dette havde den mest positive indflydelse på mit arbejde, hvor jeg opdagede, at jeg endelig kunne skabe billederne i mine tanker uden at bruge tid og penge på traditionelle processer! Digital capture forenklede arbejdsgangen til det punkt, hvor værktøjerne og workflowet nu var en gennemsigtig del af den kreative proces og ikke kom i vejen, det føltes virkelig befriende i den forstand, og det var meget velkomment!
Har portrætter altid været et vigtigt fokus for din fotografering? Hvis ikke - hvorfor er det noget, du ser ud til at fokusere så meget på i dag?
Portrætter blev min hovedgenre på samme tid i 2005. Indtil da skød jeg virkelig lidt af alt, men efter at have opdaget nogle fantastiske portrætværker af de store tidligere fotografer, indså jeg, at motivene på disse velkendte fotografier var skønt komplette fremmede havde forbindelse med mig, portrætterne var uhyggelige, næsten surrealistiske, og det var da jeg vidste, at det ville blive portræt, portrætter med en kunstæstetik og en kreativ flair, hvor jeg kunne smelte historiske referencer, det være sig lys, rekvisitter eller atmosfære med en mere moderne nutidigt udtryk fra emnet.
Dit seneste arbejde har en meget tydelig stil. Jeg tøver med at mærke en anden fotografer, men hvordan beskriver du det?
Denne stil defineres normalt som kunstportrætter, og du finder ud af, at den mangler de mere oprigtige, høje nøgle, sædvanlige smilende udtryk af motiver fra moderne portrætter, der er i mode i øjeblikket af mange portrætstudier. Dette er en mere følelsesladet og kreativ portrætstil, som en bestemt type publikum finder tiltalende.
Kan du tale lidt med os om, hvad der har trukket dig til denne stil med fotografering?
Den følelsesladede, atmosfæriske, næsten surrealistiske natur! Det er den type udtryk, som dit emne vil give dig, og som forbliver hos dig længe efter du har set billedet. Jeg tror, at portræt kan nå et niveau, hvor vi ikke længere ser billedet, men faktisk føler det, og dette kommer i det væsentlige ned på styrken af forbindelsen mellem motiv og fotograf / seer.
Dit arbejde forekommer mig som omhyggeligt planlagt. Hvor meget arbejde går der i forberedelsen af din fotografering? Hvor kommer idéerne fra, og hvilke trin finder du dig selv i at bevæge dig igennem for at bringe ideen til at realiseres?
Med denne type opsætningsfotografering tager jeg normalt billedet, før jeg udfører skuddet! Hvad dette betyder er, at billedet allerede er taget i mine øjne normalt dage før, og så er det bare et spørgsmål om præ-prep-arbejde. Denne metode giver mig mulighed for at få alle aspekter af optagelsen og efterbehandlingen udarbejdet til det punkt, hvor forsknings- og forberedelsestiden kan være 90% af den tid, der går i den, og de resterende 10% af den faktiske tid er i selve optagelsen .
Nøglen til at udføre en optagelse som denne er at have det hele planlagt, før motivet kommer ind på scenen, belysning, rekvisitter, komposition osv. Fra tanke til færdigt efterbehandlet skud klar til visning kan et typisk skud i gennemsnit tage i alt 8 timer.
Mange af ideerne kommer fra min forståelse af de gamle malermesters værker. Caravaggio, Vermeer, Rembrandt, Raphael, Velazquez osv. Men jeg finder også, at jeg får en masse inspiration fra at se udenlandske film, hvor filmscener spiller en fremtrædende rolle. At smelte disse verdener sammen er med til at skabe et atmosfærisk portræt.
Naturligvis hæver enhver film af Jean-Pierre Jeunet også inspiration til at skabe, og jeg har altid en notesbog med grove skitser og ideer af mig.
Hvilket kamera og lysudstyr bruger du til en typisk optagelse?
I øjeblikket optager jeg med et Pentax K5 dslr-kamera og et udvalg af Pentax prime-objektiver og en 16-45 / 4 zoom. Ingen særlig grund til at bruge dette mærke bortset fra at have nogle gamle linser fra fortiden, som jeg stadig kan bruge på deres nyeste dslr-kroppe.
Min kamerataske er faktisk ret beskeden i forhold til min belysningstaske. Belysningen er nøglen til mange af mine værker, og jeg ejer mange speedlights, en Einstein studio-strobe, lysmodifikatorer, reflektorer, RF-udløsere osv. Det meste af mit indendørs studiearbejde lyser normalt med en 28 ″ softbox som nøglelys, nogle gange en anden speedlight med et gitterplade fastgjort til baggrunden for at tænde det og en hvid reflektor på den modsatte side af motivet for at udfylde nogle skyggeområder.
I en udendørs shoot bruger jeg typisk kun et lys, der er modificeret af en cirkulær type modifikator, der er en mellemstor octabox eller skyder gennem paraplyen. Jeg prøver at slippe af med det ved hjælp af speedlights på grund af deres alsidighed og vil kun virkelig bruge einstein-stroben, hvis jeg har brug for at overmande middagssolen.
Kan du dele med os et billede, du har taget for nylig, og tale os igennem ideen, og hvordan du skød det?
Rødt tørklæde (ovenfor) - Dette billede er for nylig taget i et udendørs miljø ikke så langt fra hvor jeg bor. Faktisk er det en lille gruscykelsti, der løber ved siden af en bæk. Ideen fra denne optagelse kom fra en lignende type scene, som jeg ikke så længe før i en film, det var naturligvis anderledes, men det var sent på efteråret tidligt om vinteren her på den sydlige halvkugle, jeg ville portrættere sæsonen, og dette skulle opnås ved hjælp af baggrund og valg af kostume.
Den grå jakke og baret måtte forbinde sig med et element i scenen som grusstien, det varmfarvede løv skulle skildre årstiden, og det vigtigste element i scenen er det røde tørklæde, der trækker vores øjne til det interessepunkt, som er emnet. Nogle gange er det vigtigt at bruge stærke farver for at trække og forankre vores øjne til det centrale interessepunkt. Forbeholdet er selvfølgelig, at det fungerer i scenen og supplerer de andre toner uden at se ud af sted.
Teknisk set er dette et simpelt skud på f4.0, 1/60'erne midt på eftermiddagen i fuld skygge. Brændvidde var 28 mm aps-c, hvilket er cirka 42 mm på en fuldformatsensor. Lyset var kun en enkelt speedlight med 1/4 effekt fyret gennem et hvidt skyde gennem paraplykamera til højre.
Se mere af Bills arbejde på hans websted og blog. Opret forbindelse til ham på Twitter og Google+.